Motivi non ovvi per cui amiamo alcuni film e facciamo fatica a tollerarne altri

2024 Autore: Malcolm Clapton | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-17 04:01

Sottigliezze di editing, tecniche di ripresa e altri trucchi che ti permettono di sentire l'atmosfera.

Molto spesso, quando si parla di cinema, le persone parlano della trama e della recitazione. Naturalmente, questi sono componenti importanti di qualsiasi film. Ma succede che non puoi distogliere lo sguardo da un'immagine, anche se l'azione si sviluppa molto lentamente e un'altra storia diventa rapidamente noiosa, nonostante i molti eventi. Alcuni autori riescono a far credere allo spettatore le svolte più fantastiche, mentre altri realizzano anche situazioni reali come giocattoli. Ed è bello guardare alcuni nastri, mentre altri sono difficili.

Il fatto è che, oltre alla trama e agli attori, ci sono molte tecniche interessanti che i registi usano per aiutare lo spettatore a sentire l'azione e godersi ciò che sta accadendo sullo schermo. Queste sottigliezze potrebbero anche non essere notate, ma influenzano comunque notevolmente la percezione dell'immagine.

Spettro dei colori

La prima cosa da notare è che i colori nei film spesso non sono affatto gli stessi della vita reale. Può essere abbastanza ovvio (ad esempio, se l'immagine è in bianco e nero), oppure non te ne rendi conto subito. Ma questa non è una coincidenza.

Creare un'atmosfera

Con l'aiuto dei colori, puoi trasmettere meglio l'atmosfera di ciò che sta accadendo, creare un'atmosfera per lo spettatore e persino mostrare i sentimenti dei personaggi stessi.

Prendi come esempio il popolare franchise di X-Men. Nella serie principale di film, l'immagine luminosa e ricca ricorda i fumetti. E in contrasto con loro nel noir "Logan", dove parlano della vecchiaia e della fatica dell'eroe, vengono scelti toni più pallidi.

Girato dal film "X-Men: Apocalypse"

Girato dal film "Logan"

Nel film "Mad Max: Fury Road" la maggior parte dell'azione si svolge in una calda zona desertica. È logico che l'immagine sia stata scattata con sfumature giallo-arancio, che ti fanno sentire il sole cocente e la secchezza.

Per chiarezza, puoi prendere una cornice e cambiare la combinazione di colori. Sembrerà immediatamente che sia diventato più freddo.

Scatto dal film "Mad Max: Fury Road"

Lo stesso telaio, ma in colori freddi

Per creare un'immagine contrastante, i blockbuster moderni e in generale il cinema di massa sono resi più blu e arancioni.

Ma il famoso Wes Anderson ama una morbida tavolozza rosata. Dà allo spettatore la sensazione di un vecchio film romantico. E tutto ciò che accade viene percepito con più calma e facilità.

Quando vogliono creare un'atmosfera del futuro e della fantasia, spesso si rivolgono anche alla gamma blu. E amano particolarmente i colori al neon, che sono saldamente collegati nella testa dello spettatore con il cyberpunk e la tecnologia.

Inutile dire che i registi horror preferiscono i colori scuri. Ci sono diverse ragioni per questo. Naturalmente, questo è in parte un modo per pompare l'atmosfera. Molte persone hanno già paura del buio e nei film dell'orrore ci sono anche mostri che si nascondono in esso.

Inoltre, un'immagine scura consente di nascondere leggermente le imperfezioni della grafica o del trucco e risparmiare sulla produzione. È vero, c'è un pericolo in questo: se scurisci troppo l'inquadratura, lo spettatore potrebbe semplicemente non vedere cosa sta succedendo sullo schermo, specialmente in un brutto cinema o su una vecchia TV. Ad esempio, questo è stato il caso del film Slenderman del 2018.

Anche se alcuni registi originali possono giocare in contrasto. Ad esempio, Ari Astaire in "Solstice" ha mostrato l'atmosfera tipica di un film dell'orrore: gli eroi si trovano in un villaggio isolato dove accadono cose terribili.

Ma allo stesso tempo, l'immagine è molto luminosa, non ci sono quasi scene scure e gli abiti degli eroi sono bianchi come la neve. E questo lo rende ancora più spaventoso, perché non c'è nessun posto dove nascondersi dall'orrore.

Separare le parti del grafico

Un film può avere diversi filtri di colore diversi. Sono usati per separare le trame in modo più chiaro. E con il talento giusto, questo approccio aiuta a illuminare l'immagine.

Matrix è un ottimo esempio. Il logo di questo nastro è stato realizzato con simboli di codice verde, che denotano il programma in cui vivono le persone. Ecco perché tutto ciò che accade nel mondo virtuale è stato filmato attraverso un filtro verdastro. E gli eventi reali sono mostrati in blu.

Una scena del film "The Matrix", azione nel mondo virtuale

Una scena del film "The Matrix", azione nella vita reale

E solo alla fine della terza parte, quando le persone e le macchine hanno stipulato un accordo di pace, nella cornice compaiono contemporaneamente i colori blu e verde puri.

In Inception di Christopher Nolan, i personaggi si spostano dal mondo reale al sonno, poi al sonno nel sonno e così via. Per separare più chiaramente gli "strati", il regista ha scelto la propria combinazione di colori per ciascuno di essi.

Girato dal film "Inception", il primo sogno

Girato dal film "Inception", secondo sogno

Girato dal film "Inception", terzo sogno

Al primo livello del sonno, tutto è filmato in una tavolozza blu, il secondo è giallo, il terzo è bianco. E solo nell'ultimo sogno tutte le sfumature si uniscono di nuovo, come nel mondo reale.

In Blade Runner 2049 di Denis Villeneuve, diversi colori riflettevano sia la posizione che lo stato interiore del protagonista.

Scatto dal film "Blade Runner 2049"

Scatto dal film "Blade Runner 2049"

Scatto dal film "Blade Runner 2049"

Scatto dal film "Blade Runner 2049"

Tutto inizia con il personaggio di Ryan Gosling che vaga nella nebbia, poi attraversa un caldo deserto arancione, futurismo al neon e un'alluvione notturna. E la storia finisce su uno sfondo bianco come la neve, che riflette calma e purificazione.

Rifiuto del colore

Una volta tutti i film erano in bianco e nero. Semplicemente perché non sapevano scattare diversamente ed era possibile colorare le cornici solo a mano. Poi sono arrivati i film a colori e la cinematografia è diventata molto più realistica.

Ma allo stesso tempo, la fotografia in bianco e nero non è completamente un ricordo del passato. Sono ancora utilizzati per scopi artistici. Ad esempio, per delineare mondi o trame differenti.

Così, in "Il mago di Oz" nel 1939, il colore appare quando Dolly entra nel mondo delle fate.

Ancora dal film "Il mago di Oz", mondo ordinario

Ancora dal film "Il mago di Oz", paese delle fate

In "Stalker" di Andrei Tarkovsky, i colori sono assenti anche nella vita ordinaria degli eroi. E quando i personaggi entrano nella mistica "Zona", il mondo diventa luminoso - è qui che le persone si rivelano veramente.

O lo stesso Christopher Nolan nel nastro "Remember" ha mostrato una parte dell'azione nell'ordine diretto e la seconda - nell'opposto. Pertanto, metà del film è girato a colori e l'altro è in bianco e nero.

Ancora dal film "Remember", ordine diretto

Ancora dal film "Remember", ordine inverso

Inoltre, un'immagine in bianco e nero consente di evidenziare alcuni dettagli in modo più vivido semplicemente aggiungendovi del colore. Per la prima volta, Sergei Eisenstein ha fatto questo quando ha dipinto manualmente la bandiera nella corazzata Potemkin del 1925.

Successivamente, questa tecnica è stata utilizzata in generi completamente diversi. In Schindler's List di Steven Spielberg, l'apparizione di una ragazza con un cappotto rosso diventa uno dei momenti più emozionanti.

E anche nel film a fumetti Sin City, questo approccio viene utilizzato ripetutamente, con un'enfasi sul rossetto rosso, sugli occhi luminosi o sul sangue.

Costruzione del telaio

Regole di terzi

Uno dei principi fondamentali sia del cinema che della fotografia. Questo è qualcosa come una regola semplificata del "rapporto aureo".

È semplice: durante le riprese, lo schermo è diviso in tre parti verticalmente e orizzontalmente. Gli elementi più importanti per la trama dovrebbero trovarsi su queste linee, così come alla loro intersezione. Ciò renderà più facile per lo spettatore concentrarsi sui punti desiderati.

Posto in una piazza

Se dividi condizionalmente il fotogramma a metà o in quattro parti uguali, puoi far capire allo spettatore senza parole quale posto occupa il personaggio nella storia.

Questa tecnica è più chiaramente visibile nel film "Drive" di Nicholas Winding Refn. Ad esempio, se il volto del personaggio principale è mostrato nell'angolo in alto a sinistra e nel frame successivo un altro personaggio appare nello stesso posto, allora questo è un suggerimento che i personaggi saranno rivali.

Inoltre, lo stesso Refn può raccontare due storie in parallelo: nella parte superiore e inferiore dello schermo o nelle metà sinistra e destra. Lo spettatore potrebbe non notare questa mossa, ma comunque la percezione dei personaggi sarà più completa. Inoltre è semplicemente bellissimo.

Simmetria

Un'altra tecnica psicologica ed estetica allo stesso tempo. Spesso, gli scatti in cui la metà sinistra riflette la metà destra sono fatti solo per bellezza.

Ma a volte trasmettono l'opposizione dei personaggi. E se l'eroe si guarda allo specchio, mostrerà il suo lato oscuro o la differenza tra sogno e realtà. Insomma, qualsiasi allegoria che possa essere pensata per delle riflessioni.

Ancora dal film "2001: Odissea nello spazio"

Scatto dal film "The Shining"

Un'immagine dal film "Joker".

Angolo olandese

Per mostrare l'instabilità del protagonista, i suoi dubbi su qualcosa o problemi di memoria, usano una tecnica molto visiva. "Angolo olandese" significa che la fotocamera non sta riprendendo diritta, ma inclinata. Molti esempi di questo approccio si possono trovare nei film di Danny Boyle.

È insolito per lo spettatore guardare l'immagine da un'angolazione, quindi percepisce meglio lo stato di disagio del personaggio.

Tuttavia, è importante osservare la misura qui. Ad esempio, il film disastroso "Battlefield: Earth" è stato girato interamente ad angolo. Ma tra un'ora e mezza, molto probabilmente lo spettatore avrà solo un mal di collo.

Riprese dal basso e dall'alto

Un'altra delle tecniche semplici ma efficaci che ti permette di trasmettere l'autostima degli eroi. Quindi puoi mostrare, ad esempio, chi è il padrone della situazione. E poi ricordo subito i nastri di Quentin Tarantino, dove i personaggi guardano giù nel bagagliaio.

Girato dal film "Dal tramonto all'alba"

Girato dal film "Le Iene"

E sparare dall'alto ti fa sentire che l'eroe si sente insicuro. Ecco come l'hanno interpretato divertente nella famosa scena del film "Di cosa parlano gli uomini", dove il personaggio di Kamil Larin, come un bambino, fa scuse al portiere in un ristorante costoso:

Dialogo e movimento

Azione in background

Una tecnica che viene utilizzata più spesso nella commedia o nell'horror. In primo piano non succede nulla di interessante. E tutte le cose più importanti si svolgono sullo sfondo, che può essere oscurato o sfocato.

Ad esempio, il protagonista del film "Zombie Called Sean" va al negozio. Tutto è molto banale per lui. E sullo sfondo c'è una vera apocalisse:

A seconda del genere e della presentazione, questo può creare un effetto o una tensione molto divertente - così spesso i principali urlatori sono nascosti nei film dell'orrore.

Conversazioni in movimento

Il tipo più comune di dialogo nei film è che i personaggi si siedono e chiacchierano. In questo caso, la fotocamera passa tradizionalmente da un viso all'altro.

Ma se la scena richiede troppo tempo, lo spettatore si stancherà della ripetizione costante degli stessi angoli. Pertanto, i buoni registi integrano o modificano l'ambientazione di tali scene.

Quindi, nei film di Quentin Tarantino, i personaggi parlano quasi costantemente. Ma il maestro non ti fa annoiare, perché i dialoghi possono avvenire durante la guida. A causa del costante cambiamento dello sfondo, l'azione non sembra essere monotona.

E anche se i personaggi sono nella stessa stanza, la telecamera non cambia proprio così. Può muoversi intorno a loro, creando l'effetto della presenza e persino della partecipazione alla conversazione. Quasi tutti i caratteri possono essere visti senza modifiche non necessarie.

Nicholas Winding Refn riesce ad utilizzare il già citato gioco con il colore e il riflesso in semplici conversazioni. In Drive, il primo dialogo dei protagonisti sembra sembrare molto semplice.

Ma allo stesso tempo, il personaggio di Ryan Gosling è sempre su uno sfondo blu (questo schema di colori lo accompagna per tutto il film). E l'eroina Carey Mulligan sta alle pareti arancioni. E questo dimostra che qualcosa li separa, anche se sono vicini.

La regola dei 180 gradi

C'è un altro punto importante durante le riprese. Se muovi la videocamera di più di 180 gradi quando cambi angolazione, lo spettatore si confonderà. Ad esempio, quando l'eroe sta correndo, sembrerà che si sia girato e si stia muovendo nella direzione opposta.

E questo è altrettanto importante anche durante i dialoghi. Per non creare l'impressione che tutti nell'inquadratura si siano mossi bruscamente, l'operatore e il regista scelgono una certa linea oltre la quale la telecamera non dovrebbe andare.

È curioso che una deliberata violazione di questa regola possa essere utilizzata solo per confondere lo spettatore, per mostrare la confusione dell'eroe. E con la dovuta immaginazione, gli autori creano scene più insolite. Ad esempio, la conversazione di Gollum con se stesso. Il personaggio è semplicemente mostrato da diversi lati, ma questo crea l'effetto che ci sono due altoparlanti e sono in dialogo.

Caratteristiche di installazione

Il montaggio consente di rendere più dinamica l'azione del film, "saltando" i momenti noiosi della vita e permettendo di guardare ciò che sta accadendo da diversi punti di vista. La sua forma più semplice è narrativa. Cioè, gli eventi nel frame si svolgono uno dopo l'altro. Questo è stato spiegato più chiaramente in The Man from Boulevard des Capucines.

Ma puoi mostrare gli eventi del film in un modo diverso, e per questo usano tecniche diverse.

Installazione parallela

A differenza della narrazione sequenziale, a volte gli autori vogliono che il pubblico veda ciò che sta accadendo contemporaneamente in luoghi diversi. E poi i registi si rivolgono al montaggio parallelo.

Questo rende la trama più movimentata. Ma devi stare attento. Dopotutto, se mostri a turno le scene che si verificano contemporaneamente, potresti avere l'impressione che ognuna di esse duri più a lungo.

Un esempio lampante di editing parallelo fallito è "Furious-6". Gli eroi stanno cercando di fuggire su un aereo che sta guidando lungo la pista, le auto li inseguono e una lotta si svolge all'interno del transatlantico.

Gli autori dimostrano così tanti eventi contemporaneamente che sullo schermo l'aereo sembra accelerare per almeno 15 minuti. Inutile dire che questo uccide tutto il realismo della situazione?

Christopher Nolan, d'altra parte, è ampiamente considerato un maestro del montaggio parallelo. Il regista lo usa in molti dei suoi lavori, ma The Beginning è l'esempio migliore. Eventi a diversi livelli di sonno si verificano contemporaneamente e a velocità diverse (nel sonno più profondo, il tempo scorre più lentamente).

Qui, la già citata separazione dei colori si aggiunge all'azione e lo spettatore non si confonde in ciò che sta accadendo, ma realizza l'intera globalità degli eventi.

A proposito, è interessante che nel film "Dunkirk" Nolan sia ancora più spiritoso con questa tecnica. Mostra in parallelo gli eventi che si svolgono sulla terra, nell'acqua e nell'aria. La cronologia, infatti, è completamente diversa, e tutto converge solo nel finale.

Flashback e flash forward

A volte gli autori incorporano i loro ricordi del passato - flashback - nella storia lineare degli eroi. Questi possono essere flash molto brevi di pochi secondi o intere trame.

Un grande fan di questi momenti è Jean-Marc Vallee. Quindi, aggiunge tensione alle scene apparentemente calme. Oppure mette in chiaro che il personaggio sta ingannando qualcuno: dice una cosa, ma nei suoi ricordi appare qualcosa di completamente diverso.

Non è difficile immaginare che i flashforward siano le stesse storie, ma dal futuro. Sono usati meno spesso, di solito nella fantascienza o nelle storie mistiche. Su una tale tecnica, hanno persino costruito un'intera serie, in cui, durante una certa eclissi, ogni persona ha visto un momento del suo futuro.

E più avanti nella trama, tutti cercano di scoprire le ragioni di ciò che è successo e di capire il significato delle loro visioni. La serie è stata chiamata così: Flashforward (in traduzione russa - "Ricorda cosa accadrà"). È vero, è durato solo una stagione.

Salto-cut

Questa tecnica si applica già all'editing lineare. Significa una netta transizione tra i fotogrammi. Lo usano per scopi completamente diversi.

In La piccola bottega degli orrori di Frank Oz, questo montaggio aiuta a mostrare il lungo e noioso trascorrere del tempo.

Ma Lars von Trier, che usa spesso anche il jump-cut nelle sue opere, trasmette in questo modo lo stress emotivo e l'instabilità psicologica dei personaggi. Scattare così rende l'immagine più "nervosa". Nel nastro "Idioti", questo è molto appropriato:

Modifica in forma e suono

Affinché i diversi eventi mostrati nel film siano percepiti come una continuazione l'uno dell'altro, gli autori utilizzano spesso coincidenze visive. Cioè, i contorni di un oggetto in un fotogramma vengono ripetuti nel successivo. E a volte può sembrare molto spiritoso.

Allo stesso modo, puoi "agganciare" lo spettatore con il suono. L'urlo continua con il fischio del piroscafo, e il rombo industriale è sostituito dalla musica dello stesso tempo. Oppure il sibilo di una pipa danneggiata si trasforma in un crepitio di carne arrosto.

Inoltre, il suono potrebbe essere leggermente in anticipo o in ritardo rispetto a quanto mostrato sullo schermo. Questo viene fatto per rendere le scene più connesse. Cioè, lo spettatore sente ancora discorsi e fruscii dal fotogramma precedente, ma l'azione è già cambiata. O vice versa.

Mancanza di installazione

Questa è una mossa audace: i registi girano scene lunghe senza montarle affatto, o le nascondono in vari modi.

Questo rende più realistico ciò che sta accadendo sullo schermo, dà allo spettatore un senso del ritmo della storia stessa. Ma, naturalmente, questo approccio richiede molte più prove e investimenti. Dopotutto, durante l'elaborazione, puoi ritagliare piccole cose senza successo.

Quindi, Joe Wright nel film "Espiazione" ha mostrato una scena di cinque minuti con l'evacuazione delle truppe da Dunkerque durante la seconda guerra mondiale. 1.300 persone sono state coinvolte nella scena della folla, con attrezzature in movimento nell'inquadratura e esplosioni in sottofondo. È questo approccio che trasmette tutta l'oscurità e il caos di ciò che sta accadendo.

Le moderne tecnologie consentono di gestire l'installazione in modo più accurato. E ha aiutato Alejandro Gonzalez Iñarrit a girare Birdman. In esso, non ti accorgi nemmeno immediatamente che l'intera azione è mostrata in un frame continuo.

In effetti, il montaggio è lì, ma nascosto. Le giunzioni vengono realizzate quando la telecamera passa attraverso un elemento scuro.

E l'"Arca russa" di Alexander Sokurov sembra ancora più forte. L'azione si svolge all'Ermitage e al regista è stato concesso un giorno per le riprese. Pertanto, ha deciso di scattare la foto senza incollare.

Ci sono voluti sette mesi di prove con 800 comparse. Di conseguenza, dalla terza ripresa, hanno girato un intero film della durata di 1 ora e 27 minuti.

In effetti, ci sono molte più sottigliezze del genere. Ma molti di loro richiedono già una profonda conoscenza della regia e della cinematografia. Questi sono solo semplici esempi che possono essere visti in molti film. E quando guardi l'immagine successiva, rimarrai sicuramente colpito dall'"angolo olandese" o da una cornice lunga senza modifiche. Ma questo non distruggerà la magia del cinema, ma, al contrario, renderà la visione ancora più interessante.